马蒂斯设计（马蒂斯设计的彩色玻璃）
马蒂斯设计（马蒂斯设计的彩色玻璃）
关注现代艺术的看官如果不知道亨利·马蒂斯（Henri Matisse），那就要out了。他不仅是20世纪西方美术界“F10”明星男团成员之一，也是与毕加索相爱相杀的“好基友”。马蒂斯用大胆鲜明的色彩，给西方现代艺术的发展注入新鲜血液，创造了一个“野兽国度”。2020年正值亨利·马蒂斯诞辰150周年，小编今天就翻开马蒂斯的艺术篇章，看看这位色彩大师到底是不是真的如大家所说的那么“狂野”！
▲马蒂斯，图片来源于网络
野兽派创始人养成记
1869年，马蒂斯出生于法国北部皮卡第地区的一个商人家庭，可以说是跟艺术不沾边。他的父亲就像大部分传统的家长一样，想要孩子找份稳定又体面的工作。乖巧的马蒂斯顺了父亲的意愿去学习法律，之后回到家乡从事法律事务工作。
▲亨利·马蒂斯,图片来源于网络
然鹅，人生世事难料，计划永远赶不上变化。21岁的马蒂斯因一次阑尾炎住院误打误撞与绘画结缘，这得多亏了马蒂斯母亲的“神助攻”。马蒂斯母亲怕孩子在医院太无聊，于是给他带去了纸和画笔消磨时间，马蒂斯由此一画不可收拾，按他自己的话来说：“如同在天堂里”。两年后，23岁的马蒂斯果断放弃了法律事务工作，进入朱利安美术学院预科班跟威廉-阿道夫·布格罗学习绘画，之后正式考入该学院，师从象征主义代表画家莫罗，开始步入职业艺术生涯。
▲马蒂斯《Woman Reading》c.1894,巴黎现代艺术博物馆，图片来源于网络
马蒂斯的成功靠是脚踏实地的努力。求学期间，他刻苦研究莫罗、普桑、夏尔丹和华托等艺术家的作品，这个时期的画风比较保守。离开学校后，他又受点彩派的影响，同时吸收印象派之所长，借鉴非洲雕塑和东方装饰艺术。之后通过罗素了解到梵高的作品并大受触动，从此力图革新。
▲马蒂斯《豪华、宁静、欢乐》c.1904,118x98cm，乔治·蓬皮杜中心，图片来源于网络
在1905年的巴黎秋季沙龙展上，一群思想前卫的艺术家在马蒂斯的带领下展出了一批作品。在当时，追捧古典技法和写实风格的潮流还未褪去，人们对他们的作品嗤之以鼻，批评家路易·沃克塞尔更是嘲讽到：“多纳泰罗被野兽包围了”。之后，这群大胆、新潮的艺术家在众人的吐槽和讽刺中出圈，并被称作“野兽派画家”，马蒂斯也因此成为野兽派的创始人，他的狂野绘画之路正式开启。
▲马蒂斯《戴帽的妇人》c.1905，图片来源于网络
《开着的窗户》是马蒂斯在当时的参展作品，马蒂斯运用高纯度的色彩、简练的线条，描绘出法国西南部滨海小镇的美丽一角。估计观展的人们一定觉得很惊异，毕竟在当时很少有艺术家会将窗户画成五颜六色的。马蒂斯不希望色彩只是构图和造型的附庸，而是主导画面、可以传达意图的最主要元素，这也是现代主义绘画中所倡导的，对色彩和形式的解放。
▲马蒂斯《开着的窗户》c.1905,55x46cm，华盛顿国家美术馆，图片来源于网络
马蒂斯运用具有鲜明现代性的艺术风格，宣告了他对传统艺术的颠覆与反叛，这点在小编看来，是马蒂斯“够野”的表现之一，比如《舞蹈》，五个手拉手的人物围成圆圈跳舞的画面没有具体情节，却充满了原始神秘感。马蒂斯抛弃了传统的空间表现手法，采用最简单的色彩和构图去呈现，舞蹈中的人物创造了一种动态感和张力，是对生命力的赞美。
▲马蒂斯《舞蹈》c.1910，图片来源于网络
《红色画室》则将纯粹、统一的色彩发挥到极致，整个画室好似红色的海洋。马蒂斯淡化了物体的轮廓线，使其融入到背景中，画面没有唯一的视点，却显得十分和谐。
▲马蒂斯《红色画室》c.1911，90x70cm，纽约大都会艺术博物馆，图片来源于网络
总的来说，在野兽派最盛行的几年里，马蒂斯可谓是艺术圈最有流量的明星。不过也不是所有人都能欣赏他的画风，有争议就有热度，就这样，马蒂斯在争议与赞赏中蜚声世界。
不再“狂野”的马蒂斯
在野兽主义的高光时刻之后，新起的立体主义粉墨登场。虽然此时的马蒂斯已经不再是艺术界的重点关注对象，但他依然在兢兢业业的创作。这一阶段，马蒂斯为了研究人体结构创作了70多件雕塑作品。有资料称，当时他还买了雕塑大师罗丹的小件雕塑作品做研究，并收集非洲的雕刻作品。在他看来，非洲雕刻艺术采用了最简化的人体造型去表达情感而非解刨学上的准确比例，这跟马蒂斯崇尚极简、平面化的理念相契合。
▲马蒂斯《Nu allongé I (Aurore)》c.1912,图片来源于网络
除此之外，马蒂斯还创作了一系列受立体主义影响的作品。比如下图这幅作品虽然名为“肖像”，却没有使用传统人物肖像画的写实画法，采用简单的色块以及具有强烈几何形式的垂直线条组成画面。可以说，这个阶段的马蒂斯并没有将自己限制在野兽派的圈内，而是顺应时代的潮流，敢于做出一些新的尝试。
▲马蒂斯《白色与粉红色的肖像》1914，图片来源于网络
这个时期各国正深陷于第一次世界大战的硝烟中，马蒂斯从苦难中发起思考，去感受世界、艺术与人之间的关系。他将视野落在了室内，作品充满了对苦难和自由的理解。
▲马蒂斯《窗户》c.1916,146x119cm，底特律艺术学院，图片来源于网络
对女性形象的描绘也是马蒂斯十分中意的主题。这一系列作品中的画面又明亮了起来，并加入了大量的装饰性元素。这些充满异国情调的绘画尝试源于马蒂斯的几次旅行。
▲马蒂斯《Odalisque in red trousers》c.1924，图片来源于网络
有资料显示，马蒂斯1910年冬赴西班牙伊斯兰文化区时受到吸引，在1912至1913年旅居北非的摩洛哥探索异域风情，并将当地的文化特色与创作相结合。比如下图这幅作品，背景和地板都采用了伊斯兰元素进行装饰，这也显示了马蒂斯在这阶段对异域文化的迷恋。
▲马蒂斯《The Moorish Screen》c.1921，图片来源于网络
1930年，60岁的马蒂斯在去塔西提岛的旅行中偶然发现了当地的塔帕纤维布，这种色彩鲜艳的几何图案再次激发了他的创作灵感。马蒂斯每次旅行似乎就像开启了“寻宝模式”，收获颇丰。
▲ 塔西提岛的塔帕纤维布，图片来源于网络
▲马蒂斯《Robe violette etAnémones》c.1937，图片来源于网络
艺术才情点亮古稀人生
1940年马蒂斯进入古稀之年，人生也迎来了新的转折。在1941年时，马蒂斯因肠癌手术再也无法从轮椅上站起来，疾病带给这位巨匠前所未有的打击，也为他带来了新的创作契机。对于一位人送外号“工作狂”的摩羯座艺术家来说，完全没有什么能够阻挡马蒂斯对艺术的向往。这时期他开始用剪刀和卡纸继续他的艺术探索之路。一开始，马蒂斯只是当做一种尝试，没想到无心插柳之举也创造出一种全新的艺术风格。
▲马蒂斯创作的剪纸作品，图片来源于网络
剪纸特有的简洁线条和单一的色彩，让马蒂斯大爱。他使用最普通的工具，却为世人创造出充满生命力的图像。有媒体评论员称：“马蒂斯60年艺术生涯的全部魅力都浓缩在他晚年这些剪纸作品的炽热与美丽中，它们如同长满植被的花园一样充满生机。”
▲马蒂斯创作的剪纸作品，图片来源于网络
除了绘画、雕塑、剪纸，马蒂斯还在人生最后的时期“野”了票大的。晚年的马蒂斯在漫长的康复过程中备受一位修女的照顾，为了表示感谢，77岁高龄的马蒂斯设计和参与修建了位于法国南部旺斯的玫瑰礼拜堂，又称马蒂斯礼拜堂。
▲马蒂斯在旺斯玫瑰礼拜堂内，图片来源于网络
教堂内一切从简，墙面上是马蒂斯用简练的线条亲手绘制的壁画。其中最具特色的要数他设计的彩绘玻璃窗，马蒂斯用蓝色、黄色和绿色来描绘象征着生命力的图案，每当阳光透过玻璃窗，就像来自天堂的圣洁之光。要知道，此时的马蒂斯已经病入膏肓，他只能坐在轮椅上竭尽全力去完成，这份对艺术的执着与坚持令小编泪目。
▲法国旺斯玫瑰礼拜堂，图片来源于网络
历经沧桑与变故的艺术家，在生命长河的尽头，依旧用自己的声音，呼喊着行将就木之时的追求和思想。马蒂斯的艺术人生始于对艺术与生命的热爱，最终在色彩缤纷的世界里画上圆满的句号。
马蒂斯是艺术的革新者、颠覆者，他的作品既具有超前性，又对当下社会作出了反思。他使用一种“狂野”的艺术语言，为艺术世界建立了一种新的审美价值观，这无疑是勇敢的，也是他作为一位伟大艺术家的最好证明。
马蒂斯作品以使用鲜明、大胆的色彩而著名的特点。
1908年，马蒂斯发表了他的《画家札记》，生动地论述了自己的艺术观，对现代绘画影响极大。
他说：“奴隶式地再现自然，对于我是不可能的事。我被迫来解释自然，并使它服从我的画面的精神。如果一切我需要的色调关系被找到了，就必须从其中产生出生动活泼的色彩的合奏，一支和谐的乐曲。颜色的选择不是基于科学（像在新印象派那里）。我没有先入之见地运用颜色，色彩完全本能地向我涌来。”
“我所梦想的艺术，充满着平衡、纯洁、静穆，没有令人不安、引人注目的题材。一种艺术，对每个精神劳动者，像对艺术家一样，是一种平息的手段，一种精神慰藉的手段，熨平他的心灵。对于他，意味着从日常辛劳和工作中求得宁静。”
他毕生的作品，包括后来在两次世界大战期间的作品，无不贯彻了这种精神。例如《红色的调和，食桌上》、《弹吉他的少女》等。
扩展资料：
《舞蹈》
创作于1909-1910年，马蒂斯在创作时，把模特儿带到地中海岸边，他认为这件作品跟地中海给他的喜悦情绪紧密相连，画中背景的蓝色，寓意着仲夏八月南方蔚蓝的天空，一大片绿色让人想起翠的绿地，人物的朱砂色则象征着地中海人健康的棕色身体。
在这幅狂野奔放的画面上，舞蹈者似乎被某种粗犷而原始的强大节奏所控制，他们手拉着手围成一个圆圈，扭动着身躯,四肢疯狂的舞动着。
参考资料来源：百度百科-亨利·马蒂斯
钢琴课 马蒂斯
2016年2月3日前夕，苏富比在香港展出马蒂斯的作品《钢琴课》。此画作估价1.15~1.73亿人民币。他是西方现代美术史上，最具影响力的艺术家之一。他是西方美术史上，空前伟大的色彩艺术大师。毕加索说：“没有人比我更仔细地研读马蒂斯的作品，也没有人比马蒂斯更深入地了解我的作品”。毕加索的名作《亚威农少女》，更是深受马蒂斯艺术的影响！他就是野兽主义的主将——亨利·马蒂斯（Henri Matisse)。
1869年，马蒂斯出生于法国小镇Le Cateau-Cambrésis。在一个殷实的家庭中长大。20岁之前的马蒂斯，从未表现出对于美术的任何兴趣与天赋！学习文学与法律的他，在20岁的那一年，马蒂斯意外地邂逅了绘画。这一见钟情的邂逅，成为了马蒂斯艺术生命的起点!
马蒂斯的妈妈Anna
19岁的马蒂斯被迫卧床数月（具体原因尚未有定论，相关资料显示有骨折说、抑郁说、阑尾炎等说法）。由他的妈妈安娜悉心照料，令人倍感温暖的还不止是安娜如同呵护孩子一般疼爱自己的宝贝儿子！为了让儿子开心地度过枯燥的卧床时光，安娜为儿子买来了Paint box（随你翻译成画具箱、绘画箱、油画箱等等都无所谓）。
马蒂斯本想只是以画画消磨时光，却意外地爱上了美术！总之，我们可以说，由于妈妈的这份礼物，马蒂斯爱上了画画！用他自己的话说，就是自从遇到了绘画之后，美术就是我的生命了！就像是找到了属于自己的天堂！自此，马蒂斯就像是找到了生命的轨道与真爱！
马蒂斯的早期作品
马蒂斯立即抛弃了稳定的工作，也就是一两年的时间里，他的美术天赋就显露无遗。西方传统绘画中的全部造型技法，掌握的游刃有余！然而，他显露出来的还有他不安分的本性。他无法忍受步人后尘，他试图探寻完整的自我、独立的艺术生命！
疯狂创作了15年后，依旧没能找到自己的艺术轨道，身无分文的马蒂斯携三个孩子与妻子艾米丽，南下度假周游。一家人来到了法国南部的地中海沿岸的一个小渔村。烁金碎沙滩，丽日嵌城垣。蓝靛洗水晶。科里尤尔赐予了马蒂斯一条属于他的艺术轨道，他开始释放能量、才华！
1905年《科里尤尔的屋顶》是马蒂斯美术创作的重大突破
他终于开始释放他巨大的、真正的艺术才华，却也伴随些许的不安。他不知道世俗与权威该怎样接受这幅画! 弱化了透视、开始挣脱现实形象的束缚、弱化光影变化的客观规律。放大了阳光的力量、提纯了景物的色彩、删减了繁冗的细节！接下来马蒂斯租下了当地一间普通的小屋进行创作。在这面窗子前，他创作了《打开的窗户》。
《打开的窗户》
马蒂斯作品的艺术价值在于独立的、纯粹的、丰富的、有力的思想与情感！
马蒂斯的《戴帽子的女人》（左）对比拉斐尔《草地上的圣母》（右）
马蒂斯的艺术造诣：客观事物或人物，只作为马蒂斯进行美术创作的参考与支点。马蒂斯的情感与思想，通过独立而自由的颜料、笔触，转化为美术创作！色彩随思恋而流转、笔触缘情意而铺展！
马蒂斯的画作，迸射着超乎寻常的生命力、热烈非凡的爱！色调的搭配也是炫丽而不落俗旧。色彩的纯度更是游离在极高的区间内！马蒂斯不再留恋光影的细腻转折、刻画，任凭无所拘束的情思在画布上肆意舞动！
1506年，诸如拉斐尔的《草地上的圣母》这一风貌的绘画，是“统治”了西方近四百年（16世纪—20世纪）的美术风格，我们通常将它称作传统与经典的美术道路。自文艺复兴起，画家们将透视学与人体解剖的技艺钻研到了极致、将光影与色彩的客观再现，推演到了巅峰！学院派、古典主义等名号，都是形容这一画风的传统词汇！
红色和谐 马蒂斯 1908年
一石激起千层浪！空前的嘲讽与讥笑、敌视与谩骂，弥漫在法国社会的各个领域，寻常百姓、巨商贵族、权威艺术界，无不将马蒂斯的艺术看作是法国社会的叛逆者与敌对势力！几乎无人能够接受马蒂斯的画作。有的人嘲笑马蒂斯的作品是小孩子的稚嫩绘画，有的人讥讽马蒂斯的画，混乱、污浊、丑陋！
更有人说马蒂斯的创作，玷污了历史上所有优秀的画作与艺术家！骂他是人类美术事业的危险敌人与丑陋蛀虫！说他正在毁灭艺术、玷污美！在法国收藏家眼中，马蒂斯俨然是一个彻头彻尾的疯子！然而，马蒂斯幸运而及时地遇到了赏识他的人——俄国收藏家舒金、美国收藏家史丁、莫罗佐夫。他们购买了马蒂斯的画。舒金是俄国的一位富可敌国的巨商，在商业与文化领域都颇具影响力！
俄国收藏家舒金 Shchukin
舒金十分欣尚马蒂斯的作品。舒金购买了马蒂斯37幅画，现在他被人们称作20世纪最成功的收藏家！不过在100年前，俄国商人们都说，一个疯子买了另一个疯子的画！舒金鼓励马蒂斯：“虽然眼下你被公众所反对，但是未来属于你”！
马蒂斯的Odalisque
1914年，一战开始，马蒂斯被迫中断了度假。他欲热血卫国去参军，却因年纪过大而被拒绝。一战期间，马蒂斯一改曾经的热情纯粹，创作了一些画风阴郁的作品。用以抒怀，表达对于战争的愤慨！1918年，一战结束，他立即恢复了达观豁朗的本性！马蒂斯来到Nice，在接下来的12年间，他几乎只在室内创作一种被称为Odalisque风格的绘画。就是带有东方装饰风情的女性人体绘画。不得不说，他画了这12年的Odalisque，在艺术造诣上并未有重大突破，却实实在在地因为Odalisque赚了一大笔钱！事实上，就在一百年前，同为法国画家的安格尔也画过Odalisque，那是一幅新古典主义的名作！
Grande Odalisque大宫女 安格尔 1814年
1930年，60岁的马蒂斯第一次造访纽约，就被纽约“俘获”了！他说如果我20几岁时就知道有纽约这样一座城市，我想早就来了！1949年纽约的现代艺术馆购买了马蒂斯的《红色画室》。同年马蒂斯的许多新作在纽约展出，迅速被社会公认是最伟大的画家！可以说，从35岁突破自我并拥有富足的生活，直至60岁时被社会所接受！马蒂斯的艺术与勇气，令世人尊敬！然而马蒂斯的艺术生命并未至此放缓！他即将飞向新的巅峰！
《红色画室》
马蒂斯来到纽约后不久，20多岁的年轻俄国女孩Lydia出现了，Lydia很快就成为了马蒂斯人生中又一位重要的女人。
因为马蒂斯的一幅巨型壁画，Lydia因为做马蒂斯的助手而结识了这位举世瞩目的艺术家。
为美国收藏家的私人博物馆创作的这组壁画，是马蒂斯在艺术创作上的一次更加前卫地突破！ 色调、造型都极尽质朴与本质化 ！此壁画是马蒂斯走向新的艺术巅峰的重要转折之作！ 这也是一幅承上启下之作！ 接下来，马蒂斯将开始他最具影响力的剪纸艺术创作！剪贴纸创作是马蒂斯全新的艺术巅峰！
褪尽浮华、删减繁缛！表达生命本真的力量、本真的美丽！ 色彩是空前的绚烂、纯粹！以至于激荡灵魂！
马蒂斯的著名作品Icarus
马蒂斯的艺术深刻地影响着我们今天的社会文化。2012年伦敦奥运会的LOGO、风靡全球的时尚设计Miffy、时尚品牌Paul Smith等等文化产品与艺术精神，无不深深地浸染着马蒂斯的艺术精神！一百多年以来，马蒂斯的艺术“引无数英雄竞折腰”！愈来愈多的艺术家学习传承、创新发展着马蒂斯的艺术！
2012年伦敦夏季奥运会LOGO
The Snail 是马蒂斯离开人间前一年的杰作
风靡全球的时尚形象Miffy，是荷兰艺术家Dick Bruna的代表作！Dick Bruna的设计作品深受马蒂斯艺术的侵染！他表示，马蒂斯启示人们要用尽量简化的方式去表达艺术 ！
著名的英国时尚设计师Paul Smith 也深得马蒂斯艺术的神采。
Paul Smith（保罗·史密斯）的设计作品
马蒂斯留给人间的最后一幅艺术创作，是一座教堂！无信仰、无神论者马蒂斯设计了一座教堂，送给在临终期间照料他的一位修女。
我们可以感知，教堂的内部不存在一丝痛苦！十分温暖、宁静，充盈着永恒极乐的美好！犹如身处天堂。
马蒂斯设计的教堂内部，基督受难壁画
教堂内部壁画
基督受难局部
教堂内部的彩色玻璃窗
马蒂斯把绘画比作“安乐椅”，供人消遣和赏心悦目。他说，他“梦寐以求的是一种和谐、纯粹而又宁静的艺术”。从20岁开始的艺术人生，直到生命的尽头，马蒂斯从未间断过他的美术创作！创作！直至生命的最后一刻！直到停止呼吸、直到离开人间！
1869年12月31日——1954年11月3日
青年时期的马蒂斯
关于野兽主义，在1905年的巴黎秋季沙龙上 ，马蒂斯带领着他的小伙伴们展出了他们自己的一些惊世骇俗的油画 。批评家路易·沃塞尔管这些画作叫做“野兽” ，野兽主义的名号就此诞生了。
艺术生涯晚期的作品
世界美史上最伟大的艺术家之一
晚年作品
青年时期的马蒂斯
生命的快乐
马蒂斯人生的最后时光
舞蹈 1910年
晚年的马蒂斯
La Gerbe 1953年
马蒂斯的自画像
The Conversation 收藏于圣彼得堡冬宫的这幅作品，曾被斯大林封禁
音乐 1910年
晚期创作
晚年作品
为躲避二战而迁居Vence小镇（图为马蒂斯居住的小楼）。毕加索曾于此拜访马蒂斯并表示，这样一位伟大的艺术家的住处竟然如此质朴，令他十分意外。
【日本】高畑勋 著
虽然压根就没法好好跳起来，但我觉得那种手牵手的圆舞特别迷人。可惜，我在小学或中学里， 是从不曾被强迫跳过文娱集体舞的那一代人。我写“强迫”，是因为很多人都这样讲。据说，大家总会不情不愿地装出手牵手的样子。每次听人这么讲，我这个没有经历过的人就会训斥道：“为什么？太可惜了！就是因为这样，幼年时期的皮肤饥渴才会转化成扭曲的东西，在之后爆发出来。”如此教育别人，其实换作我自己，恐怕也会害羞得没法好好去拉手吧。
回旋舞，但不是那种专业形式的圆舞，而是随意的民间舞。从普罗旺斯的法兰多拉舞、加泰罗尼亚的萨达纳舞，到我们日本的“笼目歌”①，世界各地的民族舞蹈都是大家热热闹闹、欢乐开怀的形式。为了能使观众深切感受到人与人之间那份休戚与共的喜悦，我曾数次将手拉手的舞蹈画进自己的作品里。战后开始实行五一劳动节时诞生的劳动歌《将世界连成花环》（作词：篠崎正，作曲：箕作秋吉），我也很喜欢那句同名歌词。我还喜欢诗人保尔·福尔②那首《回旋舞》：
亨利·马蒂斯③的绘画生涯，据他所称，是由1906年那幅《生之喜悦》开始的。这幅大作当年曾毁誉参半，掀起轩然大波，而如今似乎并不被视为他的代表作，很少收录于画集当中。不过比起画作本身，我更中意的是它的题名“生之喜悦”（La Joie de vivre），觉得这句话颇有深意。我想，马蒂斯毕其一生所追求的，岂不正是这个主题？而且《舞蹈》（1910年）这幅画，显然也是对这种喜悦的表达之一。
附：马蒂斯设计的旺斯玫瑰园教堂豆瓣相册
实际上，《生之喜悦》画面中央的远景处也有六名（多出一人）跳舞的裸女，姿态与《舞蹈》十分相似。并且，马蒂斯画过许多自己工作室的画，经常把他本人那些挂在墙上、靠在墙边的作品，作为画中画纳入背景。尤其是展现了《舞蹈》（更确切地说是《舞蹈I》）局部的作品，包括只能稍稍瞥见极少一部分的，算起来就有四幅。多年以后，他还以同样的内容和构图，创作了一幅大红色的石版画。我们因此了解到，这个主题对于马蒂斯来说是何等重要，而对于这幅画，他又是如何倾尽了全力。
关于马蒂斯的艺术，他本人有个观点十分显著：绘画应该是把椅子。并不是说他画了一大堆椅子画，这一观点体现在他着手创作《舞蹈》的一年前，1908年为举办讲座的备忘《画家笔记》之中的一节：
而这归根结底不过是画家的“梦想”。写下这番话之前的那段时期，马蒂斯的绘画以名作《开着的窗户》为首，有几幅作品可以称得上“野兽派最精彩的成果”，但未必是“均衡、纯粹、宁静的艺术”和“精神的安乐椅”。他身处美术革新的漩涡之中，试错不断，内心孕育着激烈、紧张的躁动之情。这情绪亦流露在画面里。然而，它们全都色彩丰富地表现着人间乐园的“生之喜悦”。
《舞蹈》是幅巨作，宽391厘米，高260厘米，是俄国贸易商人谢尔盖·史楚金（Sergei Shchukin）为装饰莫斯科的宅邸定制的壁画。而前一年，画家一气呵成的同尺寸试笔之作也相当有名，被命名为《舞蹈I》。于是最终的完成版，有时也被称作《舞蹈II》。或许由于《舞蹈I》收藏在纽约现代美术馆的缘故，《舞蹈II》更时常被提起。四年前（2001年）那场豪华的“MoMa 名作展”上，亨利·卢梭的《熟睡的吉普赛人》亮相日本，与此同时，我也一并欣赏到了马蒂斯的多幅作品。
因为在画展之前已有一阵子没瞧过马蒂斯的画集，面对着《舞蹈I》时，我心中有些讶异。原本应有的属于舞蹈的生命力，我却从画中体会不到。这还是那幅对我而言一直具有极其重要的意义的作品吗？我将之视为“生之喜悦”的原型，时不时都要拿来回味一番的作品，就是眼前这幅吗？难道它在我脑中的印象，已被擅自美化和夸大了吗？说不上为什么，我失望透了。这种情形之下，我也没有仔细去欣赏它。因为想看的其他画家的作品，要多少有多少。
这篇文中举例的《舞蹈》（《舞蹈II》）与纽约现代美术馆的那幅《舞蹈I》，差距就是这么大。昔日我在画集中看到并喜爱的，究竟是它们中的哪一幅，如今我也记不清楚了。至少，圣彼得堡的这幅《舞蹈II》中，充盈着我所期待的生命力，那浓烈的色彩、肉体和跃动感，都鲜明而炽烈。
然而不可思议的是，长时间端详此画后，再去看《舞蹈I》，就又能重新感受到它的好了。当然，我是就画册来说的。两者之间达成了一种互补。画面左侧的女人，反弓的身体，曲线优美；右下方的女人将倒下去，手已松开，但仍拼命想去拉住的样子，有种“破”的张力，在两幅画作当中都有体现。不过，虽是相似的构图、相似的姿态，两者给人的的印象大相径庭。《舞蹈I》因为是试作，胸有成竹的构图，呈现出清晰的趣味性。五个人在画面中占据的位置很平衡，十只手臂勾勒出一只美丽的圆环；地面的绿和天空的蓝，使前景的人物更加醒目，色彩的分配与对比……样样莫不精彩。不过，女人体态纤瘦苍白、摇摇晃晃，像是为裸体舞蹈感到害羞似的，不知哪里有种柔弱的印象。与此对比，画家通过《舞蹈II》讴歌了肉体之美。为了补足《舞蹈I》中欠缺的力量感和跃动感，对女人的姿态、身体表现、色调都竭力进行了强调。这种做法虽极为成功，却稍稍牺牲了构图的优美。
如此将两幅画比较来看就会明白，马蒂斯试图去达成的目标，是怎样一项困难的任务。去年（2004年）的“马蒂斯展”，如实地教我明白了一件事：马蒂斯的绘画，一见之下，让人丝毫感觉不到有什么辛苦费力，只会让人感叹：画得好棒！”或“好美！”。然而实际上，全都是付出了百般努力才取得的结果。其中有几幅佳作，都同时展出了它们的最终完成版，及记录了制作过程的数张照片。近来，即便是个人画展，也多会设定一个主题或概念来进行展示。对于绘画爱好者来说，真是既有趣又值得感激。
亨利·马蒂斯是第一位我将其作品在某段时间内全部看完的画家。在刚升入高中的那六个月里，战后未久的1951年，紧跟在东京、大阪之后，仓敷的大原美术馆也举办了马蒂斯的画展。我这个地方上的少年，个展之类的文化活动一次也没见识过，终于有机会不必离乡就能把全世界巨匠们的艺术成果全都领略了。这次盛事，也是大原集团文化动力的一种象征。与现代艺术真品的邂逅始于马蒂斯，这对我来说是件多么幸福的事啊！
马蒂斯的绘画美丽、易懂，有大量的素描，仅凭着一根线条就将女性的脸部流利地勾勒出来，我为那出色的技巧惊讶不已。还有他学艺时代画的那些裸露着阳具的男性裸体画，也让我感到震惊。彼时我还没有认识到素描是一种把握人体造型与线条的训练，提到裸体，一直以为就该是女性。当时，马蒂斯正着手设计法国南部小镇旺斯那座美丽的玫瑰园教堂，画展中提出了教堂的模型，同时，也展示了彩色玻璃的巨幅设计定稿、壁画的练习稿，以及马蒂斯的工作照，美好得像是个梦。看了取代画展图鉴的、美术杂志《水彩画》的临时增刊号，我才知道，1947年那幅色彩与造型大胆非凡的《红色房间里的玫瑰色裸妇》（Pink Nude，Red Interior）也曾参展。
喜欢马蒂斯的人，在全世界数量之多，应该足以令人震惊吧。当然，我自己也是其中一员。在一次又一次的画展中上，接触到他的大量真迹，也长期亲近目染于大原美术馆的藏品《画家的女儿》及普利司通美术馆（Bridgestonge Museum of Art）的诸藏品，再加上马蒂斯那种漂亮的装饰性风格，禁不住会生出购买海报和巨幅复制品的念头。某次画展上，我买了张《红色房间》（1948年）的大尺寸复制品，一直贴在我家楼梯正面的墙壁上。去年的“马蒂斯展”上，我住在能登的小女儿也买了张《波利尼西亚群岛，天空》（剪贴画，1946年）的大开版印刷品带回了家。
如今，当我思索马蒂斯绘画的魅力时，总想把那种大胆的彩色平面效果和装饰性，跟表屋宗达④或尾形光琳的装饰性及金箔纸的效果加以比较。冈本太郎⑤在20世纪50年代，好像曾说光琳的《燕子花图屏风》是“开在真空里的花”。年轻的我，一面感叹：“说得真好啊”，一面又想反驳：“金箔纸可算不上真空的。”金箔纸会对光线进行微妙的反射，时而显示出坦阔无际的平面感，时而又具有水墨画留白的空间感，让人分不清何处是天空，何处是地面，衬托着画面上和谐相融的景物，使之成为浑然的整体，展现出一种优美的装饰性和平面设计风格。而其上描画的景物，也不会变得好似抽象图形或纹样，那些风神雷神、燕子花、红白梅自不必说，就连最具抽象意味的俯瞰视角的舞乐图，也完全不失其具象的写实感。
马蒂斯的作品，也多运用大面积的色块，令人分不清墙壁和地板的界线究竟在何处。然而不管它们如何具有平面性和装饰性，如何以无与伦比的色彩感觉给我们带来是觉的愉悦，那些用线条描绘的物体或人物，也绝不失去其真实感，呈现出令人惊异的具象的造型感觉。假如画家不具备这种造型感的话，又如何能画出一笔到底的精彩素描和那般迷人的剪贴画呢？马蒂斯的绘画，达到了一种看似简单易模仿，实则绝对无法模仿的高度。
我突然想到，表屋宗达《舞乐图》的左扇上，也画了四个戴着假面的乐师，正手牵手，跳着轮舞。
2005年5月
1937年马蒂斯首次以剪纸方式为芭蕾舞团设计屏风与戏服。
马蒂斯晚年因风湿病不能执笔，便以彩纸剪贴作装饰性画面，别具特色。
马蒂斯晚年的艺术是极其简练的，带有平面装饰性的艺术，然而他的伟大之处正在于能够超越令人乏味的、狭小的装饰天地，从而创造了“大装饰艺术”的概念。马蒂斯在晚年仍和在野兽派时代一样激进。
人物生平
马蒂斯（Henri Matisse, 1869-1954） 他与毕加索是20世纪最重要的两位画家，出生在法国北部皮卡第地区勒卡托一个药商兼粮商家庭。
1882－1887年间学习法律，后来放弃了法律界的工作，转而学习绘画，在朱利安学院预科班就学于威廉－阿道夫·布格罗门下，1892年考入美术学院，在象征主义画家莫罗的画室学习。
通过欧洲杯预选赛附加赛，匈牙利、北马其顿、苏格兰和斯洛伐克成功晋级，...
2018世界杯成绩表全部文章列表:1、2018足球世界杯全部成绩...
本篇文章给大家谈谈腾讯篮球直播,以及nba直播在哪看的知识点，希望对...
如何看待刘国梁?备战奥运会才能够让运动员全力以赴练技术。...
百米最快速度是多少世界记录100米比赛最快的速度是9秒5...
